Anita Molinero – Sans titre, 1990 / Sans titre (Yourtes), 2002
Catalogue de collection du FRAC Franche-Comté, 2010

ENGLISH VERSION

Anita Molinero uses objects and materials as if to prolong their lives, affording them a new lease of life once the first has gradually died away in the indifference of its situation and use. She produces “street-corner sculpture”, rickety and lumbering, as if in the image of those outlawed from a political community—Agamben’s Homo Sacer—namely, terrorists, illegal immigrants, inhabitants of favelas, the exiled and the excluded. Is it then perhaps a sculpture of “urban threat”? Anita Molinero’s answer is that she expresses herself “through street furniture and bare necessities—plastic bottles, bowls, mattresses and cardboard boxes. Related to urbanity is a sense of abandonment that is always perceived as a threat and lived out as reality. Like many others, I had the intuitive feeling that the city spawned a culture made up of monstrous creatures, a blend of the harmful, exciting, nervous, simplistic and scholarly.”[1]

Here, there is obvious entropic corruption of materials in the disorderly, irreversible process of their gradual deterioration. She uses materials whose inherent properties are selected for their potential for distortion, thus determining the object’s final form by letting fate and the effects of time take their course: “If entropy entails the deterioration of an object, self-contained within its structure and its uncertainty of being-sculpture, then yes, I would say that there is entropic collapse in my sculptures.”[2] The materials she uses are ambiguous, both polluting and polluted. By revealing their inherent danger, she is seeking to highlight the threats directed at our world. She reaps benefits from waste—obdurate materials from rubbish dumps, vile, makeshift and flimsy. The polluting item is obscene, a surplus (duty bound to disappear) that does not fit into our daily reality, disrupting it like some dirty and disgusting sight. Obscene objects here are a violent throwback of repression. “I have positioned myself in a post-Chernobyl generation; added to the urban threat is the invisible toxic threat, devoid of locality.”[3]

The gashed foam of Sans Titre (Untitled, 1990) brings to mind a dismembered mattress, an animal figure (between a crab and an insect’s mandibles), a minimal form racked by its inherent pollution: “It is an example of heterogeneousness,” notes Anita Molinero. “This mattress is also a mutant sagging body (the body incorporated into the mattress) with four limbs/organs and plastic nipples.”[4] Foam becomes the metaphor for a mortal husk, a body gone slack.

She loves the vulgarity and arrogance of pop, and in formlessness seeks out weakness, libidinal and violent distortion. Foam is used for its intrinsic plastic qualities and its internal dynamics of softness and flexibility. These soft structures espouse their force of inertia just as they seek to tear themselves away from it – remaining with no support to lean against. Softness breeds a form of sensuality associated with dull, unprepossessing, acid colours and lends an aggressive quality to forms. The mattress cuts a ridiculous figure—helpless, unworthy and gesticulating—desperately seeking to regain its lost balance. Living forms that try to determine what is happening in what happens to them—exhaustion and intense melancholy.

The mattress has been slashed. To cut is to sever: “there is something violent about cutting, something breaks.”[5] This fervour is linked to the phenomenon of “cutters” (individuals, mainly women, who experience an irresistible urge to cut themselves with a razor or to harm themselves deliberately). It is a phenomenon that, as Slavoj Zizek explains, “is strictly parallel to the virtualization of our environment: it represents a desperate strategy to return to the Real of the body.”[6] Cutting is a sign of the wilful “assertion of reality itself. Far from being suicidal, far from signalling a desire for self-annihilation, cutting is a radical attempt to (re)gain a stronghold in reality.”[7] Here we go back to the reality of the material used—to render visible the object’s corporeality and materially, the symbols/metaphors at work therein (animal or human body), and to identify the animate in the inanimate.

Yurts (Sans Titre (Yourtes), Untitled (Yurts), 2002) evoke the universal nature of the habitat form, while bringing to mind the dwellings of Turkish and Mongolian nomads that are easy to transport, put up and take down. An object that smacks of journeying. Here non-fixity is linked to the fragility of the object, made up of black foam and bin liners. They are elements brought together but which deteriorate as lacking in solidity, collapsing like bellows. A uninhabitable shelter. Empty containers that fall apart.

Synthetic black dimpled foam is used to package high-technology items. Anita Molinero likes the fact that this material is associated with figures of traditional nomadic dwellings, bringing together items that are at once archaic and technological. “The roof is an upside-down parasol, wrapped in heated dustbin bags, and its base brings to mind an antenna. Who knows whether this antenna is not able to tap energy in some absurd way? In fact, I was not only thinking of yurts, but also of spacecraft coated with various bits and pieces in science-fiction films—hence the antenna. Basically, it is a space-yurt; you can just picture Yoda coming out saying: “Thou shalt harness the dark force, thou shalt do sculpture.”[8]

(Translation Susan Schneider)

[1] Words by Anita Molinero, taken from conversations with the author, February 2010. Our translation

[2] Anita Molinero, ibid.

[3] Anita Molinero, ibid.

[4] Anita Molinero, ibid.

[5] Christian Marclay, « Minuit Dix » (daily radio broadcast on cultural topics), France Culture, 10 March 2007

[6] Slavoj Zizek, Welcome to the Desert of the Real!, Verso, 2002, p. 10

[7] Slavoj Zizek, ibid.

[8] Anita Molinero, ibid.

VERSION FRANÇAISE

Anita Molinero utilise des objets, des matériaux comme pour prolonger leur vie, leur permettre un deuxième souffle après que le premier se soit peu à peu éteint dans l’indifférence de sa situation, de son utilisation. Elle produit une sculpture du coin de la rue, bancale et traînante. Comme si elle était à l’image de ce qu’Agamben nomme l’Homo Sacer, ces êtres qui ne peuvent faire partie d’une communauté politique : terroristes, sans papiers, habitants des favelas, exilés et exclus. Serait-ce alors une sculpture de la «menace urbaine» ? Anita Molinero répond qu’elle s’exprime «à travers les matériaux de la rue et à travers des objets humbles de 1ére nécessité : bouteilles plastiques, cuvettes, matelas, cartons. Il y a un sentiment d’abandon lié à l’urbain qui est toujours ressenti comme étant une menace et vécu comme une réalité. Comme bien d’autres, j’ai eu l’intuition que la ville créait une culture faite de monstrueuses créatures, où se mixaient le nocif, l’excitant, le nerveux, le primaire et le savant.»1

Il y a ici une évidente corruption entropique des matériaux dans l’état de désordre du processus irréversible de leur dégradation graduelle. Elle utilise des matières dont les propriétés inhérentes sont choisies pour leurs possibilités de déformation, déterminant alors la forme finale de l’objet, en laissant libre cours au hasard et à l’évolution dans le temps : «Si l’entropie est une dégradation de l’objet, contenu en lui-même, dans sa structure et dans son incertitude d’être-sculpture, je dirais qu’effectivement il y a un effondrement entropique de mes sculptures.»2 Elle utilise des matériaux ambiguës, à la fois polluants/pollués. En révélant leur dangerosité, elle souhaite souligner les menaces dirigées vers notre monde. Elle tire profit des déchets, des matériaux opiniâtres, de décharges, peu résistants, ignobles et précaires. L’objet polluant est obscène, il est un excès (qui se doit de disparaître) qui ne s’insère pas correctement dans notre réalité quotidienne, qui la perturbe, telle une vision dégoûtante et souillée. Des objets obscènes qui sont ici un violent retour du refoulé. «Je me suis située dans une génération post-Tchernobyl, et à la menace urbaine s’est ajoutée la menace invisible, sans localisation, du toxique.»3

La mousse coupée de Sans Titre (1990) évoque le démembrement d’un matelas, une figure animale (entre un crabe et les mandibules d’un insecte), une forme minimale torturée par sa pollution inhérente : «C’est un exemple de l’hétérogène, note Anita Molinero. Ce matelas est aussi l’avachissement d’un corps (incorporation du corps par le matelas) mutant à 4 membres-organes avec tétons de plastique.»4 Une mousse devenue métaphore d’une dépouille, d’un corps lâché.

Elle aime la vulgarité, l’arrogance du pop et cherche dans l’informe une défaillance, une altération libidinale et violente. La mousse est utilisée pour ces qualités plastiques intrinsèques, pour sa dynamique interne : mollesse et flexibilité. Ces structures molles s’offrent à leur force d’inertie autant qu’elles essaient de s’en arracher – restant sans appui contre lequel s’appuyer. La mollesse fonde une sensualité qui s’associe à des couleurs ternes, ingrates, acides et communiquent aux formes une qualité agressive. Ce matelas devient une figure ridicule, impotente, indigne, gesticulante, qui désespérément essaie de retrouver un équilibre perdu. Des formes vivantes qui rechercheraient ce qui se passe dans ce qui leur advient : un épuisement, une intensité de la mélancolie.

Ce matelas est entaillé. Découper, c’est trancher: «quand on coupe il y a quelque chose de violent, c’est une rupture.»5 Cet élan se lie au phénomène des cutters, désignant des sujets, en majorité féminins, qui éprouvent irrésistiblement le désir de se couper avec un rasoir ou de se faire volontairement mal. C’est un phénomène qui, comme l’explique Slavoj Zizek, «va strictement de pair avec le virtualisation de notre environnement : c’est une stratégie désespérée visant un retour au réel du corps.»6 Le cutting «est le signe d’une volonté d’affirmation de la réalité elle-même. Loin de s’apparenter à un phénomène suicidaire, loin d’indiquer un quelconque désir d’autodestruction, le cutting est une tentative radicale visant à être en (re)prise sur la réalité.»7 Une reprise ici de la réalité du matériau utilisé ; pour une visibilité de la corporéité et de la matérialité de l’objet, des symboles/métaphores qui y sont en actions (corps animal ou humain) ; pour une identification de l’animé dans l’inanimé.

Les yourtes (Sans Titre (Yourtes), 2002) parlent de l’universel de la forme-habitat tout en évoquant les habitations des nomades turcs et mongols, au facile transport et montage/démontage. Un objet qui évoque le déplacement. La non fixité se lie ici à la fragilité de l’objet, constitué de mousses noires et de sacs poubelles. Des éléments réunis mais qui, par leur manque de solidité, se dégradent et vont retomber comme un soufflé. Un abri inhabitable. Des contenants vides qui s’effondrent.

La mousse synthétique noire alvéolée sert d’emballage à des pièces de haute technologie, et Anita Molinero aime que cette matière soit associée à des figures d’habitats traditionnels nomades pour réunir ensemble des éléments à la fois archaïques et technologiques : «Le toit est un parasol retourné et emballé par des poches poubelles chauffées, et c’est son pied qui évoque une antenne. Qui sait si par cette antenne une absurde captation de l’énergie n’est-elle pas possible ? En fait, je pensais non seulement à des yourtes, mais aussi aux revêtements des vaisseaux spatiaux, faits de bric et de broc, dans les films de science fiction – d’où l’antenne. Au fond, il s’agit d’une yourte spatiale d’où l’on pourrait voir sortir Yoda disant : «force obscure tu maîtriseras, sculpture tu feras».»8

1 Propos d’Anita Molinero issus de conversations menées par l’auteur en février 2010.

2 Propos d’Anita Molinero, Ibid.

3 Propos d’Anita Molinero, Ibid.

4 Propos d’Anita Molinero, Ibid.

5 Christian Marclay, « Minuit Dix », France Culture, 10 mars 2007.

6 Slavoj Zizek, Bienvenue dans le désert du réel, Flammarion, 2005, p. 30.

7 Slavoj Zizek, ibid.

8 Propos d’Anita Molinero, Ibid.

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Anita Molinero
Sans titre (Yourtes), 2002
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Anita Molinero
Sans titre, 1991